La critique parisienne

"Fluctuat nec mergitur"
 

Cao Fei - Testimonies to the Near Future

L’artiste chinoise Cao Fei compte parmi les voix marquantes de sa génération. Dans des vidéos, médias numériques, photographies, installations et sculptures, l’artiste saisit les changements fulgurants que connaît la Chine et en particulier le delta de la rivière des Perles depuis la politique de réforme et d’ouverture à partir de 1978.

Cao Fei est indéniablement une pionnière dans la création d’univers numériques. Ses premières œuvres ont influencé toute une génération d’artistes originaires d’Asie et au delà. Depuis plus de deux décennies, elle explore les répercussions de bouleversements sociaux et technologiques sur l’existence humaine dans des travaux – installations vidéo, simulations numériques, arrangements en réalité virtuelle – qui ont contribué à la hisser comme une penseuse de premier plan dans les champs de l’art, des médias, de la technologie et de l’avenir.

Elle situe ses vidéos et ses environnements, en partie inspirés de jeux vidéo, dans des usines, des paysages oniriques et des visions de l’avenir. En abordant les thèmes du travail, du changement et de la beauté singulière d’un monde globalisé, ils interrogent l’identité, la corporéité et la mémoire. Cao Fei s’intéresse à l’influence exercée par la croissance économique, le développement technologique et la mondialisation sur notre société, sans toutefois jamais verser dans un pessimisme quant à l’avenir.

Née en 1978, Cao Fei a grandi au Sud de la Chine, dans la mégalopole de Canton (Guangzhou), également connue comme « l’usine du monde ». Elle a étudié à la Guangzhou Academy of Fine Arts. Aujourd’hui, elle vit et travaille en Chine, à Pékin. Cao Fei a remporté le SCAD deFINE ART (2024) et le Deutsche Börse Photography Foundation Prize (2021). En 2010, elle a été nommée pour le Hugo Boss Prize et le Future Generation Art Prize et fut lauréate dans les catégories « meilleure jeune artiste » (2006) et « meilleure artiste » (2016) du China Contemporary Art Award (CCAA). Enfin, elle a participé à plusieurs expositions collectives.

Pour Cao Fei - Testimonies to the Near Future, sa première exposition individuelle en Suisse et sa plus vaste rétrospective organisée jusqu’ici en Europe, l’artiste transforme le Musée d’Art de Bâle et sa section « Gegenwart (Actuel) » en une œuvre d’art totale s’apparentant à une ville où s’entremêlent installations immersives et univers vidéo de ses trente dernières années de création. Ce sont, en fait, six expositions différentes illustrant les différents aspects de la ville, et réparties sur 4 étages. Il est recommandé de prévoir au moins deux heures pour une visite qui ne laisse pas indifférent et fait découvrir véritablement tous les aspects de l’artiste de deux décennies. 

 Musée d’Art de Bâle - Jusqu'au 11 octobre 2026

Séverine et Raymond Benoit (04/6/2026)

Exposition Matisse - Grand Palais

C’est une immense exposition avec un très grand nombre d’œuvres et, chacune, d’une qualité rare. Pourtant il ne s’agit pas d’une rétrospective, de ces expositions montrant le déroulé d’une démarche et renseignant de cette façon comment l’auteur en est arrivé là, voir l’exposition de Gerhard Richter à la fondation Vuitton dans le Bois de Boulogne.

Que voit-on ? Dès l'entrée, on ressent le plaisir de la couleur. Matisse s’intéresse aux rapports de couleurs simples, pas forcément basiques, au contraire très recherchées bien que proches des couleurs de base, le rouge, le jaune, le bleu. Sa palette déconcerte car elle n’a a priori le plus souvent rien à voir avec les choses montrées. Comme Picasso, grand simplificateur des formes, Matisse simplifie les couleurs autant que les formes.

Puis on découvre les portraits dessinés d’un trait comme le fit aussi Picasso, mais de manière si différente qu’il est impossible de les confondre. Le trait de Matisse épouse le contour du visage pour en donner les caractéristiques, rondeur, finesse des traits et proportions. Ce trait est unique, pas de reprise, même s’il n’est pas exact car avant tout ce qui compte pour lui c’est le sentiment du moment. Du coup, tous sont différents, seul le graphisme de l’œil se retrouve.

L’autre qualité que montre cette exposition, c'est l’énorme capacité de travail de Matisse. On a l’impression qu’il n’arrêtait jamais. Il dessine, croque, et capte sans arrêt. S’il n’a pas devant lui son modèle nu, il coupe une plante dans le jardin ou regarde par la fenêtre. Sans parler des traditionnelles natures mortes, installées sur la table, on pourrait dire, en permanence sous la fenêtre.

Aragon le découvrit dans sa jeunesse. Il se mit à l’admirer, voir le très beau livre qu’il fit sur Matisse avec des textes parsemant les reproductions du peintre. Une phrase d’Aragon pourrait résumer l’exposition :

”Apologie du Luxe”, dans l’esprit du vieil adage :
”Luxe, calme et volupté…” de Baudelaire  

 Matisse / 1941 – 1954 - Grand Palais - Jusqu’au 26 juillet 2026

Raphaëlle Pia (02/6/2026)

Clair-Obscur à la Bourse de Commerce - Pinault Collection

L’exposition  emprunte son titre au fameux chiarascuro qui s'invite dans la peinture depuis le 16ème siècle  à l'image des œuvres de Caravage qui en intensifie l’usage ou celles de Rembrandt.
Mais l'exposition explore le clair-obscur comme un langage qui  traverse l'art moderne aujourd’hui. Une centaine d'œuvres de la collection Pinault se dévoilent dans un jeu d'ombre et de lumière.
Ces artistes contemporains utilisent la lumière pour révéler les corps, les émotions, la spiritualité…
Le sous-sol  de la Bourse de Commerce se transforme en une grotte. Nous sommes plongés dans le noir quasi total pour découvrir peu à peu des installations vidéo. Assez troublant !

Citons quelques artistes :
Pierre Huygue - Né  en 1962 à Paris qui ne se définit pas comme un vidéaste ou un sculpteur, il crée des “écosystèmes”.Son œuvre Camata est exposée dans l'immense et magnifique  Rotonde.
Laura Lamiel - Cette peintre plasticienne est née en 1943, à Morlaix. Ses œuvres sont installées dans les 24 vitrines du couloir circulaire au rez-de-chaussée.Entre ombre et éclats, elle compose un paysage poétique d'objets qui  d'ordinaire demeurent invisibles.
Sigmar Polke (1941-2010) - Artiste allemand qui mêle techniques anciennes comme les feuilles d'or et d'argent et matériaux modernes tels que l'acrylique.La pièce centrale de Polke est Axial Age (2005-2007), une série de neuf panneaux monumentaux. Ces derniers sont installés sur des structures  convexes et concaves qui laissent la lumière les traverser comme des mirages, créant un effet de profondeur saisissant. 
James Lee Byars (1932-1997) était un artiste américain. La perfection, la mort, l’or, le rituel, la question étaient ses obsessions. L'or était sa teinte emblématique.  Cette couleur rappelle le temple du Pavillon d'or à Kyoto, au Japon où il résida presque  10 ans.
Bill Viola (1951-2024) était un artiste américain qui a fait rentrer la vidéo au même niveau que la peinture. Il s'est notamment illustré par la création d'installations vidéo monumentales comme celle du Grand Palais en 2014. Jean-Luc Moulène est un artiste majeur de la scène contemporaine française. Né en 1955 à Reims, il vit et travaille à Paris depuis 1975. Moulène entretient une fascination récurrente pour la main humaine comme sujet sculptural.

Mais on peut citer également Alberto Giacometti (1901-1966), sculpteur, peintre et graphiste moderniste suisse, Germaine Richier (1902-1959). Cette liste  n'est absolument pas exhaustive :  une centaine d'œuvres de la collection François Pinault  sont exposées dans les différentes salles de la Bourse de Commerce.  

 Clair-Obscur - Bourse De Commerce - Jusqu’au 24 août 2026

Jacky Morelle (25/4/2026)

Schwitters - L’avant-gardiste inclassable

Séverine et Raymond Benoit (21/4/2026)

Renoir et l’amour - Musée d'Orsay

Théâtre

Les Collectionnistes

Le charmant Théâtre du Petit Montparnasse nous a rarement déçus.
Ce soir, il est question de peinture. Sous le curieux titre "Les Collectionnistes", François Barluet a imaginé une réunion chez les Durand-Ruel. Selon les recettes les plus classiques chères à Lagarde et Michard, il y aura unité de temps, d'objet et de lieu. Le metteur en scène Christophe Lidon va nous enfermer pendant une grosse heure dans un salon bourgeois, celui du marchand de tableaux Paul Durand-Ruel (1831-1922 incarné par Christophe de Mareuil) et de sa charmante épouse Jeanne-Marie (Christèle Reboul). Pour un peu, le décor serait planté pour une pièce de Georges Feydeau.
Nous sommes juste après la funeste guerre de 1870. Durand-Ruel est allé pendant les combats se réfugier à Londres où il a rencontré Monet. De retour à Paris, il accueille ceux qu'on va bientôt appeler "les Impressionnistes". Il croit à leur futur, les soutient, achète leurs toiles. Le marché n'est pas prêt, mais le marchand a une longueur d'avance (on dit que dans sa longue vie Durand-Ruel acheta douze mille tableaux). Il s'endette, mais est soutenu par sa banque, l'Union Générale. Durand-Ruel ne peut abandonner ses amis peintres, comme Auguste Renoir (Victor Boucigault). Il y a aussi le directeur du journal véreux, “Le Constitutionnel” (Frederic Imberty) qui fait du chantage et tourne autour de la belle Jeanne-Marie. La banque va-t-elle se décourager ? l'épouse aimante s'en aller ? on vous laisse découvrir la suite...
C'est joliment écrit, bien joué avec quelquefois des allures de pièce de patronage. On révise son histoire de l'art à un tournant décisif, et on passe un bon moment.
Bruno Caudrillier (23/3/2025)

Site

Cinéma

Toutes mes sœurs - Documentaire de Massoud Bakhshi

J’ai vu le film documentaire iranien de Massoud Bakhshi (né en 1972) en avant - première (il est sorti le 3 juin) et en présence du metteur en scène. 
Il semblait très  ému car les deux jeunes actrices, Mahya et Zahra, sont ses nièces. Elles sont élevées dans la tradition religieuse, sous le regard de la grand-mère favorable au régime.  De 2007 à 2025, au sein d'une famille aimante, le  film a été  tourné sur une période exceptionnelle de 18 ans, de leur prime enfance à leur quotidien de jeunes femmes en quête de liberté. 
Il montre leur évolution car elles sont confrontées aux traditions, aux changements sociaux. C'est à la fois un portrait de famille  et  un témoignage rare sur la condition des femmes en Iran. Un documentaire intime et émouvant, d’une durée de 1 heure et 18 minutes.

Jacky  Morelle  (04/06/2026)

Nous l’orchestre - Documentaire de Philippe Béziat

Nous l’orchestre est un film documentaire immersif consacré à la vie d’un grand orchestre symphonique, en l’occurrence l’Orchestre de Paris.
Le film plonge le spectateur au cœur de la machine orchestrale : répétitions, moments de doute, travail minutieux des pupitres, relation avec le chef, tension des concerts… Les séquences les plus réussies sont celles qui s’intéressent à certains instrumentistes, d’abord en les présentant, puis en les retrouvant au sein de l’orchestre avec leur propre perception sonore de leur environnement (grâce à l’emploi d’une multitude de micros et de caméras). On notera également une séquence emplie d’émotion avec le départ à la retraite du 1er cor solo de l’orchestre, André Cazalet.
La qualité de la réalisation, notamment au niveau du son, devrait ravir le spectateur, même peu familiarisé avec la musique sérieuse (les compositeurs représentés dans les séances de répétitions sont principalement Stravinsky et Bartók).
Le principal défaut du film est d’être un peu court !

Thierry Vagne (25/02/2026)

Sonia Wieder-Atherton  - La sublime violoncelliste

Il y a quelques jours, j’ai eu la chance d’écouter une conférence avec la célèbre violoncelliste Sonia Wieder - Atherton au musée d’art et d’histoire du Judaïsme. 

Je la connais musicalement depuis de nombreuses années et je suis une de ses fidèles admiratrices. Elle était en conversation avec Chloé Camberling. Ce fut un moment d'intense bonheur. Son répertoire est très éclectique. Elle joue du Bach, du contemporain, des musiques religieuses… elle est très connue pour son jeu expressif. 

À neuf ans, une sonate de Vivaldi l’a bouleversée... elle sera violoncelliste… “Ce n’est pas du tout une stimulation familiale qui m’a poussée vers la musique. J’y suis venue toute seule, un peu par “prédestination “. J’ai choisi le violoncelle parce que je voulais un instrument à cordes, quelque chose qui soit proche de la voix humaine et qui me permette de faire durer le son aussi longtemps que je le voulais.

“ Sonia Wieder-Atherton est une violoncelliste et compositrice franco-américaine née en 1961 à San Francisco. Elle est la fille de Ioana Wieder d’origine juive roumaine, réalisatrice féministe française (naturalisée en 1957) et de John Atherton, universitaire américain.  Elle a grandi à New York et à Paris où elle a étudié au conservatoire supérieur de musique dans la classe de Maurice Gendron (1920-1990), grand violoncelliste et de Jean Hubeau (1917-1992), pianiste, compositeur et pédagogue. Elle a également étudié avec Mstislav Rostropovitch (1927-2007), le très célèbre violoncelliste et chef d’orchestre. Elle a même reçu le premier prix du concours Rostropovitch en 1986. Cette collaboration a été un moment clé dans sa carrière, lui permettant de développer son talent.  Elle passe deux ans au conservatoire Tchaïkovski de Moscou auprès de Natalia Shakhovskaya. Cette brillantissime violoncelliste est morte en 2017 à l’âge de 81 ans. Cette dernière a été lauréate de concours de violoncelle les plus importants tant en Russie qu’à l’étranger. Elle était devenue très proche de Sonia Wieder-Atherton. Cette dernière en parle avec beaucoup d’affection, d’admiration et de reconnaissance : “je ne serais pas arrivée là, si je n’avais pas rencontré Natalia Shakhoskaya, ce qu’elle m’a dit, continue à m’apporter…” Notre musicienne a su bénéficier des conseils des plus grands musiciens de la planète. 

En 1989 Chantal Akerman (1950-2015) lui a demandé de trouver des musiques pour son film “Histoire d’Amérique“ : à New York, au lever du jour, à proximité du pont de Williamsburg, des immigrés juifs russes et polonais se souviennent de leur vie avant leur arrivée.  Elle ne connaissait rien au judaïsme, elle a grandi dans un milieu où la religion n’était pas pratiquée.  “Lorsque j’ai commencé à jouer ces chants, j’avais l’impression de les avoir toujours entendus. Ils coulaient en moi comme coule le sang dans mes veines” confie-t-elle.  La musicienne découvre alors son histoire familiale.  « Les chants juifs » est un enregistrement emblématique qui a marqué toute la vie de la violoncelliste : “ le cycle de chants juifs est né de ma recherche sur la musique juive liturgique [...] j’ai senti que je connaissais cette musique bien avant ma naissance, c’était une impression étrange.” Mais ce qui l’a véritablement inspirée c’est le chant des cantors ou hazans et son expressivité.

Elle a également une affinité toute particulière pour la musique de Jean-Sébastien Bach (1685-1750). Elle aborde sa musique avec une grande liberté et une profonde sensibilité. Pour elle, jouer Bach, c’est entrer dans un espace intérieur. Elle considère le violoncelle comme une voix humaine. Dans Bach, elle cherche le souffle plutôt que la rigidité.  Lorsqu’elle joue les “suites" de Bach, elle imagine les mains de Giacometti modelant la terre jusqu’à ce qu’apparaisse un visage. “Être aux prises avec les "suites" de Bach, dit-elle, "est très proche de cela". Il s’agit de creuser la corde jusqu'à ce que naisse la phrase avec sa respiration juste.” Elle privilégie la continuité de la phrase plutôt que la virtuosité extérieure. Elle considère la musique de Bach comme “la colonne vertébrale“ de sa vie musicale. “Bach, dit-elle, c'est comme la cérémonie du thé : on ne sait plus faire la différence entre la tasse de thé, la main, le cœur qui bat, tout devient un”. Elle a interprété avec une grande sensibilité les “suites" pour violoncelle seul de Bach, morceau de bravoure auquel ne peuvent se confronter que les interprètes les plus virtuoses. Elle considère qu’elles sont ”une sorte de bible” pour les musiciens et qu’elles contiennent “toutes les émotions humaines.“ Il faut reconnaître que Jean-Sébastien Bach est un savant théologien, un stupéfiant virtuose, un expert en facture instrumentale… Elle recherche un ton très expressif, presque vocal et emploie constamment de nouvelles couleurs sonores.

Elle a collaboré avec des compositeurs tels qu’Henri Dutilleux (1916-2013). “Avec Dutilleux, dit-elle, une note pouvait être une question de vie ou de mort”. Georges Aperghis (1945- ) et Pascal Dusapin (1955- ) lui ont dédié des œuvres. Elle a joué en soliste avec de nombreux et prestigieux orchestres internationaux ; notamment l’orchestre national de France, l’orchestre de Paris, l'orchestre philharmonique d’Israël et bien d’autres. Elle a reçu le prix de la fondation Bernheim qui désigne chaque année trois lauréats dont l’œuvre a valeur créatrice dans chacun des domaines des arts, des lettres et des sciences. Elle est chevalier de l’Ordre des arts et des lettres. En 2018, elle a joué lors de la cérémonie d'entrée au Panthéon de Simone Veil et de son mari Antoine. C’était un moment émouvant qui a mis en valeur son talent et son émotion. 

Pendant les tristes soirs de l’hiver monotone, laissez-vous envoûter par cette virtuose qui occupe une place originale dans le monde musical. Elle a toujours cherché à faire de la musique une langue ouverte au monde.

Jacky Morelle (27/11/2025)