La critique parisienne

"Fluctuat nec mergitur"
 

Kurt Schwitters (1887-1948) compte parmi les protagonistes les plus singuliers et les plus influents de l’avant-garde artistique de l’entre-deux guerres. Il est resté jusqu’à aujourd’hui d’une actualité impressionnante.
L'exposition du Centre Paul Klee est la plus complète qu’un musée suisse ait jamais consacré à son œuvre. Elle retrace la diversité de son œuvre durant ses différentes périodes créatrices : depuis les iconiques tableaux Merz, les assemblages et les collages, en passant par le Merzbau, reconstruit et accessible au public, jusqu’aux portraits, paysages et sculptures moins connus, réalisés pendant ses années d’exil. 

Un avant-gardiste inclassable et indépendant

Après une formation académique, Schwitters réalise tout d’abord des œuvres figuratives avant de se tourner vers l’expressionnisme et, plus tard, vers l’abstraction. Bien qu’en contact avec les mouvements de l’avant-garde internationale tels que Dada, De Stijl ou le constructivisme russe, il ne se rallie à aucun de ces groupes. Schwitters reste un individualiste aux apparences bourgeoises, faisant ainsi preuve d’autodérision et provoquant à la fois le public et ses collègues artistes.

« Merz » : un art né des ruines de la civilisation

Dans les années 1920, Schwitters incarnait la liberté et le renouveau artistique nés des ruines de la Première Guerre mondiale. « Merz », principe artistique qu’il a lui-même développé, devient alors sa marque de fabrique : « On peut aussi crier avec des déchets, et c’est ce que j’ai fait en collant les morceaux ensemble et en les fixant avec des clous. J’appelais ça Merz. [...] De toute façon, tout était cassé, et il fallait construire du neuf à partir des débris. C’est ça, Merz. ». À partir de matériaux trouvés et mis au rebut, il se mit à créer des collages et des assemblages – dits tableaux Merz. En 1923, il commença également à réaliser son Merzbau – une sculpture accessible qui réunit l’architecture et le collage et que l’on considère comme un précurseur de l’art actuel de l’installation. « Merz » était un concept précoce de recycling et de remix dans l’art.

Dépasser les limites des genres artistiques

L’œuvre de Schwitters dépasse les limites traditionnelles des différentes disciplines artistiques. En dehors de son œuvre plastique à proprement parler, il était aussi un graphiste, un éditeur et un écrivain influent. Il a forgé la conception publicitaire moderne et fondé le « ring neue werbegestalter », Cercle - international - des nouveaux concepteurs publicitaires. L’artiste fixe de nouveaux critères en associant les arts plastiques aux arts appliqués, afin de libérer le graphisme et la typographie de leurs tâches purement techniques et décoratives pour les enrichir d’une dimension culturelle et artistique. Il a ainsi contribué de manière décisive à forger l’image du design graphique suisse. Une publication qui met l’accent sur la production littéraire Kurt Schwitters était aussi un écrivain productif et original. Ses textes - ironiques, pleins d’humour et critiques envers la société - posent les jalons d’une littérature expérimentale et donnent des clés pour comprendre l’ensemble de son œuvre. Ils rompent avec les formes et les structures traditionnelles, reflètent le contexte historique, commentent son parcours et posent les bases théoriques de sa création.

 Pour compléter l’ensemble, le Zentrum Paul Klee montre des spécimens témoignant de ses créations littéraires et de ses activités éditoriales. L’exposition nous révèle un artiste ayant innové de manière radicale et cheminé en marge des courants avant-gardistes de son temps, marquant ainsi des générations d’artistes pour avoir réalisé la synthèse, unique en son genre, de l’art, de l’architecture, du design et de la littérature.

Zentrum Paul Klee -  Berne - Jusqu'au 21 juin 2026

Cette exposition rassemble pour la première fois un corpus majeur des ” scènes de la vie moderne ” de Renoir, soit environ 50 peintures issues des vingt premières années de sa carrière. 
Le célèbre tableau “Bal au Moulin de la Galette “ fête ses cent cinquante ans. Ce tableau est l’une des œuvres les plus célèbres et les plus caractéristiques de l’impressionnisme. On voit un moment de vie joyeuse dans le quartier de Montmartre où principalement des jeunes gens se réunissent pour danser, boire et se divertir en plein air, au célèbre Moulin de la Galette, lieu de divertissement populaire. Ils semblent saisis sur le vif : conversations, rires, danses… La scène est baignée d’une lumière naturelle filtrée à travers les feuilles des arbres créant des taches de lumière et d’ombre sur les personnages. Une peinture «  musicale »… Mais que dansent-ils ?
Auguste Renoir nous invite à célébrer l'amour comme une force universelle qui régit les relations humaines. Il représente l'amour sous différentes formes : romantique (couples, intimité), familial (mères et enfants). Les couples de Renoir sont souvent enlacés, se tiennent la main ou se regardent avec affection. Ils semblent partager une complicité ou une entente tacite. Renoir sublime la sensualité du corps féminin. Il a su aussi capter la beauté des visages. Ces derniers  sont presque toujours représentés d’une manière simple et authentique et semblent vivants, animés d’une énergie intérieure. Les visages féminins sont émouvants, tant ils sont imprégnés d’une grande douceur, d’une sensibilité et de tendresse qui émane de leurs traits. La joie de vivre et les relations sociales sont essentielles. Il représente la vie des gens ordinaires, sans idéalisation ni dramatisation.

 « Le déjeuner des canotiers » (1881) est une peinture emblématique de Renoir. La scène montre un groupe d’amis qui déjeunent ensemble sur une terrasse de la Maison Fournaise, un restaurant situé à Chatou, au bord de la Seine. Au premier plan, à gauche, Aline Charigot, la maîtresse de Renoir qui joue avec un petit chien. À droite se trouve le peintre Gustave Caillebotte. Aucune pose figée. Tout semble pris sur le vif. La lumière vive et naturelle s'ajoute à la sensation de vie et de mouvement.
L'amour n'est jamais tragique  : il est lumineux, charnel et lié au plaisir de vivre. Ses tableaux colorés, joyeux ont fait de lui, le “peintre du bonheur.” 

 Si vous aimez la peinture impressionniste et les scènes pleines de vie, de douceur et d'émotion, allez voir cette exposition.  Elle est organisée avec le National Gallery de Londres et le Museum of fine arts de Boston.

Musée  d'Orsay  - Renoir et l'amour - du 17 mars au 19 juillet 2026

Jacky Morelle (03/4/2026)

La Fondation Beyeler consacre une exposition monographique à Paul Cézanne (1839-1906), pionnier de l’art moderne et artiste majeur de sa collection. Réunissant environ 80 œuvres, l’exposition se concentre sur la dernière et la plus significative des périodes de travail du peintre français, donnant à voir Cézanne au sommet de son art : portraits énigmatiques, figures paradisiaques de baigneurs et de baigneuses, paysages provençaux viscéralement évocateurs, et enfin son motif privilégié, la montagne Sainte-Victoire, dont il réalise des vues toujours renouvelées. 

Dans son atelier du sud de la France, Cézanne met son intuition magistrale au service d’un puissant jeu de tensions entre lumière, couleur et forme, construisant des images révolutionnaires qui inspirent jusqu’à aujourd’hui des générations d’artistes. L’exposition donne à voir un artiste qui a réinventé la peinture, s’établissant ainsi, selon les mots de Pablo Picasso, comme « notre père à tous ». Points forts de l’exposition Parmi les points forts de l’exposition figure le rassemblement de neuf vues de la montagne Sainte-Victoire, ainsi que la présentation conjointe des deux rares versions des joueurs de cartes : d’une part l’œuvre très connue de la Courtauld Gallery à Londres, d’autre part les Joueurs de cartes du Musée d’Orsay à Paris, qui sont tout aussi légendaires. 
Sont également exposées 14 natures mortes de fruits du peintre, très appréciées, ainsi que huit portraits et autoportraits remarquables. Par ailleurs, La pierre à moudre au parc du Château Noir (La meule), 1892–1894, est une œuvre majeure venue de Philadelphie, qui n’a jusqu’ici jamais été prêtée en Europe. 
C’est la première fois que deux versions à l’aquarelle du Garçon au gilet rouge sont présentées l’une à côté de l’autre, ce qui constitue un événement particulier. Plusieurs œuvres, qui n’avaient pas été montrées depuis des décennies, sont également exposées, dont le Portrait de Paul Cézanne, vers 1895. L’exposition met en avant de nombreux tableaux sur lesquels Cézanne a volontairement laissé la toile en partie non peinte, ainsi que plus de 30 paysages de Provence.

Une nouvelle approche

L’exposition débute au milieu des années 1880. Cézanne s’était alors émancipé de l’impressionnisme et avait développé le style qui fait de lui une figure clé de l’art moderne. Natif d’Aix-en-Provence, l’artiste ose à la fin du XIXe et au début du XXe siècle une approche artistique radicalement nouvelle, en libérant la peinture de conventions traditionnelles comme celle de la perspective centrale ou la représentation anatomique.
L’ambition déclarée de Cézanne était de ne plus représenter la nature mais d’analyser et de rendre visible dans son travail le processus de la peinture du monde naturel. L’exposition cherche à montrer comment Cézanne met à nu les structures de ses tableaux, invitant ainsi les visiteurs à observer son processus pictural et à y participer. Cela est particulièrement vrai pour les œuvres qui paraissent inachevées. L’artiste y prend la liberté de laisser certaines parties de la toile vierges, parvenant à une harmonie nouvelle précisément dans cet inachèvement. Ces œuvres présentent une « fin ouverte », ce qui permet aux visiteurs de les compléter en mettant en action leur regard et leur imagination. 

Atelier d’aquarelle

Dans cet esprit, à la suite du parcours d’exposition, il y a l’occasion de s’essayer à la technique de l’aquarelle pratiquée par Cézanne avec tant de virtuosité. L’aménagement d’un atelier au sein même du musée a pour but de proposer une expérience pratique et pas seulement visuelle du processus créatif développé par le peintre. 
L’exposition se clôt sur le court-métrage Cézanne on art, 2025, réalisé par Albert Oehlen, peintre contemporain majeur, et Oliver Hirschbiegel, cinéaste renommé pour ses productions cinématographiques internationales, dont La Chute, 2004, et L’Expérience, 2001.

Fondation Beyeler, Riehen/Bâle - Jusqu'au 25 mai 2026

Séverine et Raymond Benoit (30/3/2026) 

Victor Hugo, l’homme aux mille facettes ! Nous connaissons l’écrivain, le poète, l’homme politique, le dessinateur et maintenant nous découvrons  un aspect moins connu, le décorateur. Oui ! Hugo a été un acheteur compulsif d’objets hétéroclites qui prennent un sens par la façon dont il les assemble. Cette passion culmine dans la maison de Hauteville House à Guernesey.

Juliette Drouet (1806-1883) partageait avec lui cette passion pour les chinoiseries et les bibelots, ils partaient à la chasse de vieux coffres, fréquentaient tous les brocanteurs. Elle ne fut pas l’unique femme de sa vie, mais fut son inspiratrice, sa collaboratrice, son âme sœur et l’amante d’une liaison de 50 ans. La correspondance de Juliette est unique dans l’art épistolaire de 19e siècle : plus de 22 000 lettres écrites à Victor Hugo (1833-1883). Elle fut également sa grande complice en matière de décoration.
Les appartements parisiens de Juliette semblent avoir été meublés dans le même goût que celui du grand écrivain. Hugo a même offert à Juliette la table sur laquelle il a écrit la légende des siècles. Juliette le suivit en exil et il décora les deux maisons : la Fallue et Hauteville House. Elle habitait la Fallue, dans une allée transversale au-dessus de chez Hugo.

L’exposition se prolonge sur deux étages et présente des dessins, meubles, objets et reconstitutions de pièces emblématiques. Dès l'entrée, des dessins où Hugo esquisse des objets décoratifs transforment un simple bibelot en allégorie poétique. Victor Hugo fascine toujours les peintres contemporains. André Breton le considérait comme le précurseur du surréalisme. Il a réalisé près de quatre mille dessins ! Avant son exil, dans ses appartements parisiens, il collectionnait des objets pour leur beauté, leur poésie. Hugo dessinait et transformait des meubles pour ses maisons, notamment à Guernesey durant son exil.
Ses meubles s’inspirent fortement du gothique, du Moyen Âge et d’un imaginaire romantique sombre. Son goût pour la récupération, le mélange des styles annoncent des pratiques artistiques modernes du 21e siècle. Il a conçu des pièces uniques mélangeant styles gothique et chinois, il démontait des meubles anciens pour les assembler selon ses dessins, créant ainsi des œuvres originales.
Nous pouvons également admirer une immense bannière ottomane qui évoque les plafonds parisiens d’avant 1848. Cette bannière ottomane est un élément décoratif rare qui proviendrait du grand salon de Hugo, place des Vosges. L’exposition se termine par sa chambre mortuaire. Son sens du décor l’a accompagné jusqu’au dernier jour.

L’exposition est très intéressante, très riche. C’est une plongée dans l’univers intime du grand poète à Paris ou à Guernesey face à Dieu et à l’océan.

Maisons Victor Hugo - Hugo décorateur, exposition jusqu'au 26 avril 2026

Jacky Morelle (16/02/2026)

Dans cette démarche, tous les éléments sont pris en compte : patrimoine naturel et paysager, architectural, urbain et mobilier, aussi bien que le patrimoine technique et ethnologique.

La mise en œuvre du label VPAH repose sur une convention de partenariat signée entre l'État et la collectivité labellisée. En 30 ans, les partenariats se sont largement enrichis et diversifiés avec des acteurs associatifs, des universités, des établissements publics et privés et des réseaux de collectivités, etc. Tout organisme compétent peut être sollicité.

Actuellement, la France compte 206 « villes et pays d'art et d'histoire ». Le label doit être renouvelé tous les 10 ans. Ce renouvellement est loin d'être automatique car il s'agit d'un label très exigeant. Il est forcément le fruit de travaux de groupes et de longue haleine qui récompense les actions nombreuses et différentes menées tout au long de l'année pour valoriser au maximum le patrimoine et transmettre l'histoire locale au plus grand nombre. 

Prenons la ville de Menton à titre d'exemple. Elle détient ce label depuis 1991. Afin d'obtenir son renouvellement pour la décennie 2025-2035, elle a présenté un « Dossier de candidature » qui pourrait faire rougir un grand nombre de guides et d'ouvrages historiques de qualité. Ce sont les personnels du Service du Patrimoine qui le réalisent, véritable tour de force car l'ouvrage doit présenter, évidemment de façon très synthétique, tous les aspects caractéristiques et particuliers de CETTE ville.

Menton ne peut s'abstenir de mentionner aussi tous les apports du passé de la famille Grimaldi de Monaco qui continue à aider « la perle de la France » selon l'expression du géographe Elisée Reclus (1830-1905) et du plus en plus connue internationalement comme « la Cité du Citron ».  Il s'agit du « Citron de Menton », bien sûr, depuis l'attribution de son IGP (Indication Géographique Protégée) en octobre 2015 alors que son Citron y est cultivé depuis 1341. Ce fruit d'or est célébré depuis 1928 lors de la première exposition privée dans les jardins du luxueux hôtel Riviera Palace. Sa « Fête » continue à avoir lieu annuellement pendant la période du Carnaval (février/mars).

A l'occasion de cette signature, le maire a énuméré quelques-uns des grands projets prévus ou déjà engagés pour les dix années à venir. Il y a par exemple le Palais de Carnolès, ancienne résidence d'été de la famille Grimaldi, et acquis par la ville de Menton en 1961. Devenu musée des Beaux Arts, sa restructuration complète vient d'obtenir un investissement de 5 millions d'euros. La rénovation de la chapelle de la Madone, va bénéficier, elle, d'une souscription lancée par la Fondation du Patrimoine.

Le renouvellement du label VPAH pour la décennie 2035-2045 est déjà en action !
Menton, Ville d’Art et d’Histoire

Marie-Claude Vettraino-Soulard (15/10/2025)