La critique parisienne

"Fluctuat nec mergitur"
 

Avant sa fermeture définitive, fin septembre 2025 pour une durée de 5 ans, le Centre Pompidou nous invite à voir son avant-dernière exposition très riche et très intéressante : "Paris noir".
Elle met en lumière les artistes noirs en France dans ce musée parisien. Paris en a accueilli de nombreux entre 1950 et 2000. Ces derniers méconnus dessinent un riche panorama des expériences artistiques noires dans la capitale.
Près de quatre cents œuvres et documents sont répartis par sections thématiques. De la création de la revue Présence Africaine à celle de la Revue Noire, l’exposition retrace la présence et l’influence des artistes noirs, cinquante ans d’expression artistique à Paris. Elle dresse une cartographie possible du Paris noir marquée par l’invisibilisation des artistes et l’éparpillement de leurs œuvres. Cette exposition retrace l’histoire aussi clairement que possible et en s’efforçant d’atteindre une exhaustivité d’autant plus désirable qu'il s'agit de rendre justice à des artistes pour la plupart inconnus.
Plus de cent cinquante artistes africains, afro-américains et caribéens y déploient des esthétiques panafricaines et transatlantiques. Le parcours montre depuis Paris l’histoire des indépendances africaines, la lutte pour les droits civiques aux États-Unis et les luttes pour l’égalité en France à la fin du 20e siècle. Paris voit émerger des œuvres révélant la triste condition des travailleurs étrangers. Les marrons, ces esclaves noirs qui ont fui les plantations sont également honorés. Le mot “marron” vient probablement de l’espagnol cimarrón...

Grace Jones née en 1948, chanteuse, auteure- compositrice, actrice et mannequin jamaïcaine symbolise l’effervescence des nuits parisiennes, tandis que des artistes réinventent l’autoportrait à travers des icônes comme Joséphine Baker (1906-1975) chanteuse, danseuse, meneuse de revue, résistante, panthéonisée en 2021, devenant la première femme noire à rejoindre le “temple” républicain.
La période de l’après-guerre à Paris a inspiré les artistes : abstraction, modernisme, surréalisme… Dans la capitale, les artistes noirs inventent également leurs propres mouvements artistiques en lien avec la décolonisation et le métissage. Dans les années 1960 et 1970, les artistes caribéens, pour certains formés à l’université de Vincennes, travaillent à des formes abstraites hantées par l’idée de retour vers l’Afrique, passant par une recherche expérimentale de matières et par une attention constante à la vitalité des formes. Les œuvres de la Caraïbe ont rarement été montrées en France.

A partir des années 1970, Paris devient un lieu de relecture critique de l’histoire pour les diasporas noires. Les intellectuels martiniquais tels que Suzanne Césaire (1915-1966), écrivaine et son célèbre mari Aimé Césaire (1923-2008), écrivain et homme politique, Fanon (1925-1961) psychiatre, une figure majeure de l’anticolonialisme et Edouard Glissant (1928-2011), écrivain, poète, philosophe, prix Renaudot en 1958 pour la lézarde ont théorisé une nouvelle conscience noire croisant philosophie, psychiatrie, politique et poésie.

Au centre de l’exposition, une matrice, circulaire reprend le motif de l’Atlantique noir, océan devenu disque, métonymie de la Caraïbe et du “Tout Monde”, selon la formule du poète martiniquais Édouard Glissant comme métaphore de l'espace parisien. Quatre installations rythment le parcours en portant des regards contemporains sur cette mémoire.

Paris Noir est une exposition incontournable qui révèle des créateurs méconnus de l’histoire de l’art. Un merveilleux hommage à tous ces artistes noirs. Il était temps ! A voir absolument !

Centre Pompidou, jusqu'au 30 juin 2025

Jacky Morelle (28/3/2025)

À l’occasion de son 20e anniversaire, le Zentrum Paul Klee (Berne, Suisse) consacre la première grande exposition temporaire de l’année à Le Corbusier. Du 8 février au 22 juin 2025, le Zentrum Paul Klee présente « Le Corbusier. L’ordre des choses ». L’exposition s’intéresse à l’élaboration du travail de cet artiste architecte, designer et urbaniste franco-suisse ainsi qu’à sa pensée plastique. Elle propose un large aperçu de l’ensemble de son œuvre à partir d’une perspective artistique à travers des pièces iconiques mais aussi des groupes d’œuvres encore peu connues. La disposition scénique des différents thèmes permet une visite individuelle en fonction de ses intérêts particuliers concernant les différents aspects de l’artiste.

L’élaboration du travail de Le Corbusier au cœur de l’exposition

Charles-Édouard Jeanneret, connu dans le monde entier sous le pseudonyme de Le Corbusier, compte parmi les pionniers de l’architecture moderne en Suisse. Figure centrale de la modernité internationale parmi les plus marquantes et influentes du monde, Le Corbusier (né en 1887 à La Chaux-de-Fonds, Suisse – mort en 1965 à Roquebrune-Cap Martin, France) exerçait non seulement comme architecte, mais aussi comme artiste, urbaniste, designer, écrivain et théoricien. Depuis 2016, une partie de son œuvre architecturale est inscrite au patrimoine mondial de l’UNESCO.

L’exposition met en évidence l’élaboration du travail de Le Corbusier, sa pensée plastique et ses expérimentations artistiques au sein de « L’Atelier de la recherche patiente », ainsi désignait-il sa démarche artistique. Elle révèle son approche par tâtonnement de la forme, mais aussi de la composition et de l’espace, de la lumière et de la couleur. La présentation rassemble de nombreux dessins et études provenant de son atelier. Pour Le Corbusier, le dessin a toujours été un moyen fondamental pour garder en mémoire ce qu’il avait vu et l’assimiler, ainsi que pour concevoir de nouvelles idées. Par ailleurs, l’exposition met en lumière les sources irriguant son processus de conception : d’objets qu’il trouvait sur la plage à l’architecture antique.

Le principe de l’ordre 

L’« ordre » jouait un rôle primordial pour Le Corbusier. Avec cette notion, l’exposition s’empare en outre d’un thème du champ de l’histoire de l’art et de la culture, intelligible et universel, remontant à l’Antiquité et toujours actuel. Dans les années 1920 en particulier, l’« ordre » constituait un concept clé de la pensée corbuséenne. Pour Le Corbusier, concevoir signifiait « ordonner » les choses. Comprendre le monde et l’organiser à travers l’ordre, était, selon lui, le devoir de l’art et de l’architecture.

Art, architecture et recherche 

L’exposition s’articule de manière thématique et chronologique autour de trois axes : l’art, l’architecture et la recherche. L’axe Art montre l’évolution artistique de Le Corbusier, de ses années de formation jusqu’à son œuvre tardive. Pour lui, l’art a toujours joué un rôle capital à la fois comme activité autonome et comme moteur pour l’architecture et le design. Cette partie de l’exposition commence avec des études de la nature, de paysage et d’architecture rarement présentées qui mettent en évidence la manière dont le jeune Charles-Édouard Jeanneret s’initie à l’espace et à l’architecture. Les principes du purisme sont élaborés dans les premières années de la guerre par, le peintre Amédée Ozenfant et Le Corbusier. En 1918 ils fondent la revue « L’Esprit nouveau » en compagnie de Louis Aragon, Paul Eluard, Tristan Tzara et André Breton.

L’axe Architecture est consacré à la pratique de conception de Le Corbusier et à son intérêt pour les principes d’ordre en architecture. Cette section présente des études de projets réalisés et non réalisés. Parmi les pièces exposées figurent de remarquables esquisses et dessins, des études et des projets en urbanisme, des maquettes et des visualisations dont le caractère artistique au premier plan souligne les parallèles étroits avec l’œuvre artistique de Le Corbusier. 

L'élaboration progressive des « cinq points » (les pilotis ; le toit-jardin ; le plan libre ; la fenêtre en longueur ; la façade libre) semble en effet constituer le point culminant des recherches architecturales théoriques menées par Le Corbusier tout au long des années vingt dans sa pleine période puriste.  Le Corbusier pensait que les bâtiments devaient être conçus comme des machines à vivre, chaque élément remplissant une fonction spécifique. Il rejette les styles ornementaux du passé et préconise à la place une architecture simple, efficace et expressive de sa finalité.

Les plans originaux de projets célèbres comme l’Unité d’Habitation à Marseille (1945-1952), la ville de Chandigarh en Inde (1950-1965) ou la chapelle Notre-Dame Du-Haut de Ronchamp (1950-1955) sont exposés. L’axe Recherche constitue le cœur de l’exposition. Cette section dédiée au concept de l’«Atelier de la Recherche Patiente » forme une passerelle entre l’architecture et l’art. Elle donne au public un aperçu du travail quotidien de Le Corbusier, dont l’activité était répartie entre deux ateliers parisiens : son bureau d’architecte rue de Sèvres et son atelier d’artiste situé rue Nungesser-et-Coli. 

L’axe Recherche montre, entre autres, la collection d’objets naturels de Le Corbusier qu’il considérait comme des « objets à réaction poétique » et qui formaient une source importante de son processus de conception. Une sélection de ses photographies est également présentée ici. Pour la première fois en Suisse, le Zentrum Paul Klee montre en outre la collection de cartes postales de Le Corbusier qui permet de s’immerger dans l’univers visuel à nul autre pareil de cet artiste architecte.

Contextualisation historique

De nombreux textes muraux et explicatifs facilitent la compréhension de l’œuvre de Le Corbusier dans son contexte historique. L’exposition met également à disposition des informations sur le parcours de Le Corbusier, tandis qu’elle éclaire de manière scientifique son rapport controversé à la politique, ses positionnements idéologiques et son héritage culturel. À ce sujet, le Zentrum Paul Klee prend appui sur l’étude « Le Corbusier, les Juifs et les fascismes. Une « mise au point » produite par l’historien Jean-Louis Cohen pour le compte de la ville de Zurich en 2012, ainsi que sur les connaissances actuelles de la recherche. 

Zentrum Paul Klee, Berne jusqu'au 22 juin 2025

Séverine et Raymond Benoit (27/2/2025)

Le 23 septembre 1865, Marie-Clémentine Valadon, fille de Madeleine Valadon et de père inconnu naît à Bessines- sur-Gartempe en Haute-Vienne. En arrivant à Paris, sa mère exerce le métier de couturière. Suzanne apprend très jeune ce métier et le pratique dans une maison de haute couture.
Modèle sous le nom de Maria, dès l'âge de 14 ans pour subvenir à ses besoins, elle apprend les différentes techniques du dessin et de la peinture en observant les maîtres. C’est Toulouse-Lautrec avec qui elle a une liaison qui lui donne le prénom de Suzanne, en référence à la Suzanne biblique, car elle pose nue pour des vieillards. Toulouse-Lautrec fera d’elle le portrait intitulé gueule de bois.
Au critique d’art Gustave Coquiot, Suzanne confie en 1920 son plaisir de poser pour Renoir : “Je posais tantôt habillée, en plein soleil, dans l’herbe, tête nue ou coiffée de chapeaux très fleuris. Tantôt nue. Ce fut une période très colorée.” Un jour où elle est en retard pour une séance de pose avec Renoir, ce dernier va la chercher chez elle, et la surprend en train de faire un autoportrait. “Vous aussi, et vous le cachiez ?”, lui dit-il, admiratif. De modèle elle est devenue peintre. Figure de l’art moderne, elle n’a jamais appartenu à aucun de ces courants.

Le 26 décembre 1886, son fils Maurice naît de père inconnu. Maurice Valadon prend en 1891 le nom de Maurice Utrillo, son père putatif, lorsque Miquel Utrillo le reconnaît.
En 1892, elle se lance et réalise des portraits sans concession de sa famille. Dans les autoportraits qu'elle peint tout au long de sa vie, Valadon s’affiche avec une sévérité assumée : "Il faut être dur avec soi, avoir une conscience, se regarder en face."
En 1886, elle épouse Paul Mousis, agent de change. Ce mariage lui donne une stabilité financière. Ils se séparent en 19O9 En 1911, elle rencontre André Utter, artiste peintre qui devient son amant. Ils déménagent au 12 rue Cortot à Paris.
Elle commence à peindre de grandes compositions L’atelier-appartement où elle vécut de 1911 à 1925 peut se visiter au 12, rue Cortot (musée de Montmartre, Paris 18ème). En août 1914, elle épouse Utter, appelé sous les drapeaux. Maurice Utrillo, réformé, demeure chez sa mère rue Cortot. Puis, la notoriété venant dans les années 1920, elle peint sur commande des portraits de ses amis du monde de l’art. Elle peint, à son tour, des nus masculins et féminins, thème longtemps réservé aux hommes.
En 1923, elle achète le château Saint-Bernard près de Lyon où Utter, Utrillo et elle ont chacun un atelier. En 1926, elle emménage avec Utrillo au 12, avenue Junot à Paris tandis qu'Utter reste rue Cortot. En 1931, ses relations avec Utter s’assombrissent. Elle participe à de nombreuses expositions personnelles et collectives, en France et à l’étranger. Lucie Valore, alors mariée à un banquier mécène et collectionneur, rencontre Suzanne et Maurice dans son salon littéraire. A la mort de son mari, en 1933, Lucie se rapproche d’Utrillo qu'elle épouse en 1935. Lucie prend en main la gestion de l'œuvre d’ Utrillo.
Suzanne lui reproche son ingérence dans les affaires de son fils Elle la peint, vêtue de noir, avec des traits très durs et une silhouette imposante. A la fin de sa vie, elle se lie d’amitié avec le peintre Gazi-Igna Ghirei, dit Gazi le Tatar (1900-1975). Il l’encourage à reprendre la peinture. Elle meurt subitement à la suite d’une attaque cérébrale le 7 avril 1938.
Elle est inhumée, le 9 avril, au cimetière parisien de Saint-Ouen.

 Centre pompidou - Suzanne Valadon - Jusqu'au 25 mai.

Jacky Morelle (26/02/2025)

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Pour dire « c'est une véritable catastrophe », on dit souvent « c'est l’apocalypse ». Ce qui sous-entend, un grand bouleversement, voire l'effacement. Mais le sens du mot grec «  apocalypse », n'est pas catastrophe, il signifie  «  révélation ».  
L'exposition magnifique que présentent les conservateurs de la Bibliothèque Nationale,  François Mitterrand sous la direction de Jeanne Brun,  conservatrice en chef du patrimoine et directrice adjointe du Musée d'art moderne, est donc l'histoire du dévoilement des turpitudes humaines qui conduit à l'avènement d'un renouveau.

Les visions de Jean

Le point de départ :  l'apocalypse de Jean. Un solitaire exilé sur l'île de Patmos, au large de la Turquie, dont on ne connaît pas encore les origines.
Fût-il un prophète ? Un des quatre évangélistes ? En tout cas cet « ermite » va avoir une transe visionnaire et écrire ce qu'il a vu sur un parchemin.  A cette époque de nombreuses communautés semi-monastiques se sont constituées au Moyen Orient, les textes  sur  les origines de l'homme sont divers et nombreux. Les prophètes aussi.  A la fin du 1er siècle, Jean, de Patmos  va sonner le glas : c'est lui, qui va dévoiler les grandes calamités de la fin du monde.: tremblements de terre, pluie de grêle, de feu, de sauterelles, la mer qui tourne au sang…il annonce  « la fin du monde est proche ».
Son récit se présente comme « un livre unitaire qui englobe tout, » écrit une des conservatrices Charlotte Denoël, « la terre et le ciel, le temps passé, présent et futur. » L'Apocalypse de Jean est un des rares récits  ayant  circulé avant l'invention de l'imprimerie. Et c'est en 800 que l'on voit les premières transcriptions visuelles. Les dessinateurs et peintres  ont des imaginations débordantes pour mettre en scène le texte, avec les quatre chevaux de l'apocalypse, les sept sceaux,  les sept trompettes et sept coupes , Saint-Michel terrassant le Dragon … L'Apocalypse sème la terreur dans le monde du Moyen Age obéissant à la religion catholique. La fin du monde est sur toutes les lèvres, l'anéantissement est proche. Et deux mille ans après, ce livre hante toujours d'imaginaire.    

Le Beatitus    

Au IXème siècle dans l'abbaye de Saint Sever, un des principaux centres spirituel et politique du duché de Gascogne, est créée une des plus riches apocalypses, le Beatitus. Il s’agit de l'unique copie française d'un commentaire de l'Apocalypse élaboré par un moine espagnol, Béatus de Lébana. Quatre artistes monastiques vont donner des représentations vivantes des 292 feuillets de parchemin, concevoir des enluminures. Le livre paraîtra en latin. Par miracle le Beatitus trouvera refuge au XVIIIème siècle à la bibliothèque nationale de Paris. A noter que Pablo Picasso se nourrira du Beatitus pour créer son tableau Guernica.  En Allemagne, Albrecht Dürer va créer, un de ses plus grands chefs-d'œuvre grâce à l'apocalypse. Ses sources d'inspiration sont nombreuses : Mantegna, la Bible de Cologne, les vieux maîtres allemands et flamands. « Pour Dürer la Révélation de Jean est avant tout un texte de piété, écrit une des commissaires Caroline Vrand. En 1492, il va assumer seul son Apocalypse, (en 1450, Johannes Gutenberg  a créé l'imprimerie) la production d'un livre d'images et de texte. Des gravures au burin sur bois, dessins saisissants qui donnent corps aux visions, conciliant le réel et le surnaturel.
Les planches : la grande Prostituée, les quatre cavaliers de l'Apocalypse, Saint-Michel terrassant le dragon. La page recto est consacrée à l'illustration et au verso, le texte. Les images sont saisissantes d'effroi. L'historien et philosophe George Didi Huberman écrit «  dans l'Apocalypse les figures humaines ou surnaturelles, animales ou monstrueuses, grouillent de partout, ainsi l'histoire de l'Apocalypse se présente comme une immense formation anachronique de temps entrechoqués, d'où prennent figure des futurs déjà vus ». Ces illustrations de l'Apocalypse de Jean marquent les fidèles qui vivent dans la peur de la punition divine. L'Eglise utilise cette puissance de l'écrit de la fin des temps, et son illustration est reprise par de grands peintres, comme Memling « vision de l'apocalypse de saint Jean à Patmos », ou Peter Brueghel « damnés tourmentés par des diables et des animaux fantastiques ».
Dans des époques de guerres et de peurs, les peintres remettent au goût du jour les épisodes apocalyptiques. Jacques Caillot, graveur ( XVIIème) réalise des eaux fortes dévoilant sa vision  des grandes misères de la guerre.  «  La fin du XVIII -ème siècle est marquée par un déferlement d'énergies : les révolutions américaine (1775-1783) et française (1789) sont perçues comme les signes de la fin d'une ère, révélant les fantasmes millénaristes » écrit la conservatrice Camille Adnot. L'anéantissement Au XIème siècle, la fragilité des régimes,  l'existence d'un ordre naturel ou divin alimentent la nostalgie romantique  les peintres anglais et français  comme  William Blake, ( the Whore of Babylon)  William Turner, Gustave Moreau et les écrivains  français: Victor Hugo, Musset, Lamartine, expriment leurs craintes et leurs désarrois. Le motif du cavalier vengeur, dont le plus terrible est le quatrième, le funeste cavalier de la mort, devient un topos de la peinture traversant le XIX -ème siècle. De William Black à William Turner. » (Camille Adnot)

Le temps des catastrophes

Le XXème siècle  qui va être vécu comme le siècle des grandes catastrophes en Occident (deux guerres mondiales, la Shoah) conduit les artistes à retenir les thèmes les plus violents de l'Apocalypse. Le peintre allemand Otto Dix produit une huile sur glacis appelée « souvenir de la galerie des glaces à Bruxelles). Le spectacle d'un couple, elle dénudée, lui en habit d'officier. «  Dans le monde où l'ordre et la religion reculent  les artistes décrivent la traverse des souffrances comme un mal nécessaire  précédant un renouveau - écrit  Jeanne Brun - plus d'extase sainte, plus de ravissement en esprit pour se rapprocher du mystère de Dieu, plus de Jérusalem céleste en point de mire : le dévoilement est celui de la réalité, de l'épaisseur de la cruauté du réel. Le salut résiderait alors dans notre regard, dans l'abandon de l'aveuglement dans lequel nous persistons, en appréhendant le monde, comme l'antichambre d'un autre ».
Au XXème siècle, sous l'influence de Rudolf Steiner et de la philosophie russe, Kandinsky manifeste un grand intérêt pour l'Apocalypse. Sa fascination coïncide avec une évolution de sa peinture vers l'abstrait. En 1910, il peint sur le thème du Jugement dernier.

Le silence de l'avenir

Au XXIème siècle, écrivains, cinéastes, créateurs de jeux vidéo dessinent des mondes souvent synonymes de désolation, de violence. Anne Imoff, l'artiste allemande, qui a eu le Lion d'or 2017 à Venise, a réalisé une puissante déflagration (c'est d'ailleurs l'affiche de l'exposition).  
L'exposition se termine par « après la fin, imaginer les mondes à venir ». Les vingt premiers chapitres du texte de l'Apocalypse n'ont qu'une finalité : l'avènement de la nouvelle Jérusalem. Mais là les artistes ont de la peine à montrer la suite: à quoi ressemblera notre monde après sa chute ? Un monde appauvri ou la construction d'un monde idéal ?   Otobong Nkanga  et Kiki Smith offrent  une vision des jours d'après avec les tapisseries au format monumental qui conçoivent le nouvel ordre du monde, après la catastrophe. Jérusalem révélé à Jean par l'ange. L'apparition de cette cité céleste où le temps et la mort sont abolis. » (texte de Pauline Créteur). Jérusalem révélé à Jean par l'ange. L'apparition de cette cité céleste où le temps et la mort sont abolis. » (texte de Pauline Créteur). L'artiste Otobong Nkanga explore un récit alternatif de la révélation de la Jérusalem nouvelle avec Unearthed – sorti de terre – c'est un monde qui n'est plus fait que de la mer, la civilisation n'existe plus.
« Pour fabriquer un monde nouveau, il faut partir d'un monde qui existe. » écrit  Ursula K. Le Guin, autrice américaine de science-fiction.  La fin des temps et le renouveau sont illustrés par des textes d'écrivains et des œuvres contemporaines, comme : l'arbre de vie d'Ali Cherri, la sculpture sans titre de Laurent Gasso.qui représente un jeune enfant tenant un globe terrestre. L'écrivain et traducteur Frédéric Boyer offre une conclusion à cette grande exposition :  «  je crois qu'il faut sortir de ce texte majeur de ses lectures infantilisantes ou culpabilisantes. Le mot lui-même n'exprime plus que le contraire de ce qu'il signifiait. (…) Il s'agissait dès l'origine d'un enseignement sur la patience et l'espérance.(...) Ce que décrit l'Apocalypse n'est pas le dénouement de l'histoire humaine, mais le dénouement de l'angoisse et de la catastrophe présente.(...) On pourrait dire qu'il s'agit de la première histoire sainte récapitulée et vécue au présent ».

 BNF François Mitterrand - Apocalypse, Hier et demain. Jusqu'au 8 juin.

Hélène Queuille

Marisa Merz (1926–2019) compte parmi les figures de premier plan de la scène artistique italienne d’après-guerre. En 2013, elle remporte le Lion d’or de la 55e Biennale de Venise pour l’ensemble de son œuvre. Aujourd’hui elle est présentée comme la seule femme parmi les principaux représentants de l’Arte Povera.

Seule femme dans le cercle de l’Arte Povera,  Marisa Merze utilise toutes sortes de matériaux bruts : aluminium, argile, cuivre ou nylon, ou encore  de la cire et du tissu – En résumé, ses œuvres se caractérisent par des matériaux « pauvres ». Pendant plus de cinquante ans, elle élabore une œuvre résolument ouverte.
« L’artiste a un rôle établi, comme celui d’une épouse ou d’un fils. Mais je ne suis pas prête à me conformer à ces rôles, ces rôles qui divisent, ces listes… » Marisa Merz, 1985

Le brut et le précieux se côtoient souvent dans les œuvres de Marisa Merz qui naviguait avec brio entre l’histoire de l’art et le quotidien. Elle place au premier plan la puissance imaginative de matériaux dits « pauvres ». Ces matériaux, souvent issus du quotidien, déploient en tant que matières brutes une étonnante poésie et possèdent aujourd’hui encore une grande puissance associative. Son rapport aux différents matériaux est subtil, radicalement personnel et relie de manière indissociable culture savante et culture populaire.

« Je ne suis intéressée ni par le pouvoir, ni par la carrière. Seuls le monde et moi m’intéressent. » Marisa Merz, 1985

L’exposition au Kunstmuseum Bern réunit quelque 80 œuvres au sein de cinq chapitres se déployant dans l’espace, parmi lesquelles des dessins, des peintures, des sculptures et des installations. Des témoignages de ses premières actions sont également présentés, à l’instar de photographies de Claudio Abate qui accompagna une action de Merz sur la plage de Fregene près de Rome en 1970, lors de laquelle l’artiste déposa sur le sable de petites œuvres en fil de nylon qui furent ensuite emmenées par les vagues,

Musée d’art de Berne - Jusqu'au 1er juin 2025

 Séverine et Raymond Benoit (11/02/2025)